Fabrizio Contarino (Taormina, 1976) vive y trabaja en Barcelona, donde se instaló en el 2003 y donde realizó una Máster en Producción e Investigación Artística (Universitat de Barcelona).

Su trabajo se centra principalmente en el dibujo con incursiones que van desde la fotografía y la ilustración hasta la vídeo instalación.

El uso de diferentes materiales y técnicas, como papel, lápiz, tinta, impresión o herramientas digitales, configura su producción creativa, sobria y al mismo tiempo contundente.

La imaginación creativa del artista se desarrolla a través de la búsqueda de una amplia gama de imágenes de alta y baja cultura. Su trabajo, a menudo cargado de ironía y crítica social, se centra en temas relacionados con la transmisión o manipulación de la información y la memoria.

Ha participado en numerosas exposiciones internacionales en España, Italia, Grecia, Colombia y Corea. Colaborador de la revista Rojo desde 2002 a 2011, ha publicado sus trabajos en varias revistas europeas.

Licenciado en el IED - Instituto Europeo del Diseño en Milán, Motiscause (Pisa, 1966) obtuvo la especialización en Composición Arquitectónica con el Prof. Gian Carlo Leoncilli Massi en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Florencia.

Su trayectoria de formación le permite ponerse en contacto con Bruno Munari, una de las grandes figuras del diseño y la cultura del siglo XX. Artista multifacético y ‘artesano’, las obras de Motiscause abarcan desde la pintura, el dibujo, la escultura y la instalación hasta la experimentación en joyería.

En 2007, restaura un almacén abandonado en el centro de Barcelona que se convirtió en SpazioTransformer, un lugar único y trabajado como si fuera un lienzo donde diseña y construye una serie de piezas únicas que se colocan entre el arte y el diseño.

Residente en Barcelona desde 2004, sus obras han sido expuestas en contextos nacionales e internacionales.

Entre las exposiciones individuales: Fogli Nudi (2018), iPazziFactory, Pisa; Missed Calls (2018), Cage Gallery, Barcelona; Reflexiones en un interior (clandestino) (2017), Galería H2o, Barcelona.

En 2016, su trabajo se exhibe en la exposición colectiva Subjective Reality en SheShan MOCA y Forbidden City Gallery en Shanghai. En el mismo año fue seleccionado por la Sydney Mishkin Gallery, Nueva York.

En 2015 expuso en el Matadero de Madrid para la Summa Contemporary Art Fair y fue seleccionado por el Museo de Diseño de Barcelona para la exposición colectiva Sintesi '90 con la instalación Sons de Paper. En Barcelona participó en el proyecto experimental Villa Nurbs (2007) bajo la dirección del arquitecto Enric-Ruiz Geli.

Entre diciembre de 2013 y enero de 2014, Motiscause forma parte del jurado de profesores que dirige los talleres de arquitectura y diseño de la Fundación Enric Miralles en Barcelona.

Desde 2012 es artista de Studio Motiscause, un estudio de arte contemporáneo y creación de piezas únicas con base en Barcelona, fundado junto con Francesca Regni (Corinaldo, 1978) curadora y gestora del proyecto.

Laura Cazzaniga (alias Laura Pinta Cazzaniga). Artista site-specific.

Licenciada en Pintura por la Academia de Bellas Artes de Milán en la escuela de Luciano Fabro, Laura Cazzaniga (Cantù, 1981) ha realizado también cursos de especialización en Arte, Arquitectura y Territorio, en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de los Estudios de Roma Tre (Roma).

Completó sucesivamente un período de investigación en el estudio de Vito Acconci, en Nueva York, y luego se mudó a España.

Su investigación se desarrolla en el campo de la instalación y mediante intervenciones efímeras o acciones directas, en contextos urbanos o, de manera más amplia, en espacios específicos de conflicto político-social.

Ha desarrollado y editado proyectos relacionados con el activismo, la memoria histórica, los derechos humanos y el estatus de la mujer en diversos colectivos y grupos artísticos. Ha participado en Bienales y exposiciones de arte nacionales e internacionales, incluyendo la 54ª Bienal de Arte de Venecia (Pabellón Italia-Academias, 2011), la XIV Bienal de Jóvenes Artistas de Europa y del Mediterráneo BJCEM (Skopje, 2009), y ha llevado a cabo acciones performativas en España, Italia y Grecia.

Su investigación se lleva a cabo, a menudo, de forma autónoma y fuera de la configuración institucional.

Actualmente vive en Barcelona.

Mattia Insolera ha nacido en Bolonia (Italia) en 1977. Desde el 2005 hasta 2009 es miembro de la Agencia Grazia Neri, con la cual publica sus reportajes en magazines italianos e internacionales. En Italia ha sido galardonado con el Premio Canon y el Premio Europeo Fnac “Talent Latent”.

Desde el 2007 reside en Barcelona, donde ha realizado el postgrado en fotoperiodismo de la Universidad Autonoma. Su proyecto Rainbow Country ha ganado la beca profesional del seminario de fotografia y periodismo de Albarracín (2008), dirigido por Gervasio Sánchez.

El proyecto Album de families ha ganado la beca de la Bienal de Girona 2009. El proyecto Drets Naufragats ha ganado la beca del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts de la Generalitat de Catalunya (Conca) para la investigación en el año 2009. El reportage Dos Padres ha ganado el segundo premio en la categoria Daily Life del World Press Photo Award 2009 y ha recibido la mención de honor del premio International Photographer Award.

En el año 2010 el proyecto 6th Continent ha ganado la beca del Conca para la creación artística y el Mare Nostrum Award otorgado por la compañia naviera Grimaldi. En el año 2011 ha colaborado con Médicos sin Fronteras al proyecto From hell to limbo sobre los flujos migratorios en el Mediterráneo. En el año 2013 ha ganado la beca Fotopres con el proyecto Surviving Greece.

En el año 2015 el proyecto 6th Continent se ha publicado en forma de libro gracias a una campaña de crowdfunding que llega a recaudar el 115% de la suma pedida. El proyecto ha sido expuesto en el Festival Cortona On The Move, en el Museo Nacional de la Fotografía de Helsinki, en el museo cívico de Macerata y en el festival PhEST en Monopoli.

Actualmente está realizando un proyecto fotográfico sobre veintisiete productos agroalimentarios italianos de excelencia llamado AILATIDITALIA. Mattia Insolera está representada por Luz photo agency, Milán.

Umberto Ciceri (Milán, 1961) vive y trabaja en Barcelona.

Con una formación en Arte y Diseño de Moda, durante décadas asumió el papel de director artístico y creativo para las colecciones de telas, estampados y bordados de las principales casas de moda, incluyendo Versace, Moschino, Jean-Paul Gaultier, Armani, Chanel, Hermés, Gucci.

Activo en el mundo del arte desde 2007, cultiva su creatividad en torno a la idea de patrón y textura, centrando su investigación en el campo de la neurofisiología y los colores de la física atómica. La práctica artística de Ciceri investiga dos diferentes temáticas que se distinguen por el contenido y por medio de la representación.

La primera tiene fines sociales y se materializa a través de instalaciones sonoras, proyecciones de video y actos performativos.

La segunda se basa en estudios neuroestéticos, en una evolución personal de la técnica cinética que lleva al espectador a realizar movimientos frente a la obra en un ritual perceptivo a la coincidencia temporal. Los elementos recurrentes en las instalaciones de video son la asociación entre la alta definición del texto y la baja definición de las imágenes. El artista usa una cámara de video de alta definición, pero intencionalmente filma de manera desenfocada, creando un contraste emocional entre la lógica descriptiva de la nitidez de la imagen y la lógica de las sensaciones en las imágenes borrosas: toda su obra se basa en esta ambigüedad ética y estética.

En los trabajos basados ​​en estudios de neuroestética, el acto de realizar movimientos, en antítesis a un estado de inmovilidad, adquiere el significado existencial de la regeneración contra la estasis. El movimiento del espectador se identifica con el de la obra en la que se refleja.

Umberto Ciceri está representado por galerías internacionales, participó en la 54ª Bienal de Arte de Venecia en el Pabellón de Italia y sus obras se encuentran en prestigiosas colecciones privadas de todo el mundo.

Filippo Minelli (Brescia 1983) se graduó con matrícula de honor en Arte y Nuevos Medios por la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán.

Además de la formación académica, desarrolla intervenciones no autorizadas en espacios públicos, intervenciones que caracterizan su práctica artística incluso en años anteriores.

Su investigación analiza temas relacionados con la arquitectura, la política, la comunicación y la geografía, y los utiliza como base para la creación de instalaciones y actuaciones documentadas a través de la fotografía y el video.

El trabajo de Minelli está dirigido principalmente a cuestionar el papel de la identidad y sus narrativas en el mundo natural y digital, teniendo en cuenta tanto el paisaje como los espacios públicos.

Atraído por las fronteras más que por las naciones, desarrolla su práctica siguiendo una investigación basada en la estética de la protesta: Minelli descontextualiza el uso de gases lacrimógenos, invierte la función de las banderas y se inspira al patrimonio de los eslóganes, llevando la política a un nivel antropológico e introspectivo.

Después de varios proyectos en el extranjero en exposiciones individuales y colectivas, en 2011 volvió a un enfoque metódico en su tierra natal, dedicándose a releer el paisaje contemporáneo del norte de Italia, publicando el libro Atlante dei Classici Padani.

Su obra ha sido expuesta en el Münchner Stadtmuseum (Munich), Total Museum (Seúl), La Triennale di Milano, East Wing Biennial (London), Manifesta 12 (Palermo), ArtScience Museum (Singapore), Museu do Som e Imagem (São Paulo), Bienal de Venecia 2011, Centro Cultural Recoleta (Buenos Aires), MACRO (Roma), y ha sido incluido, a lo largo de los años, en reseñas publicadas por algunos de los medios de comunicación internacionales más importantes, como Le Monde, The New York Times, Harpers, Huffington Post, CNN y Al Jazeera.

Desde 2007, Minelli ha sido invitado y seleccionado por muchas instituciones para proyectos de investigación, residencias y conferencias, incluyendo la Universidad de Aarhus (DK), el Centro Nacional de Arte Contemporáneo (RU), el Centro de Creación Gyeonggi (KR), el Pabellón de Arquitectura. (IT), Epicenter Projects (USA), Fotografía Europea (IT), Centro Cultural de Belém (PT), Total Museum of Contemporary Arts (KR) e IULM - Universidad de Lenguas y Ciencias de la Comunicación (IT) y UCL (Reino Unido).

Vive y trabaja entre Barcelona y Asunción, Paraguay.

Matteo Guidi (Cesena, Italia, 1978) residente en Barcelona, desarrolla una práctica que se sitúa en la intersección entre el arte contemporáneo y la antropología social, y cuyo tema central reflexiona en torno a la cultura material. A partir de la observación de diferentes grupos sociales o personas analiza cómo se relacionan con sus objetos cotidianos poniendo el foco en posibles nuevos usos dándole nuevas simbologías. Desde aquí, genera un trabajo crítico y sutil que a la vez está cargado de poética. Los proyectos se desarrollan en diferentes disciplinas como la fotografía, el dibujo, el vídeo o la instalación. Es profesor en la universidad ISIA Urbino (Italia).

Es colaborador de GREDITS (Grup de Recerca en Disseny i Transformació Social) y es miembro de A/A Network (Art and Anthropology Network) y de CoMoDo (Comunicar Moltiplica Deberes). Es fundador del proyecto Cooking in Maximum Security y co-fundador del proyecto The Artist and the Stone. Sus trabajos han sido expuestos en diversas exposiciones tanto colectivas como individuales: Bienal Sur (I bienal de América Latina), Cucúta (Colombia); Festival Loop, La Capella, Homesession, Galería Àngels Espai 2, Fundación Suñol, Arts Santa Mònica, Museu del Disseny, Galeria AB9, Bienal de Valls; Bienal d’Amposta, MAGASIN Centre d’Art Contemporaine (Grenoble); Por Estos Dias, Medellin (Colombia); Yorkshire Sculpture Park, Wakefield (UK) y Fondazione Pastificio Cerere (Roma).

Ha impartido conferencias y talleres en diferentes contextos nacionales e internacionales como: Escola massana, Casa Asia, Universitat de Barcelona, CaixaForum y La Virreina Centre de l’Imatge, MAGASIN Centre d’Art Contemporaine, Free University of Bozen (Bolzano); Museo d’Arte Moderna di Cagliari; Akademie der Künste der Welt (Colonia), ESAD School of Art and Design, Matosinho y Academia de Bellas Artes de Cidade do Oporto; International Academy of Art Palestine (Ramallah).

• Centro de arte Lo pati, Amposta (E)
• Museo Cooperativo de los Albañiles de Piedra, Oporto (P)
• Museum of Academy of Fine Art of the City of Porto (P)

Ivana Pinna (Nurri, 1976). Artista multidisciplinaria, nacida en un pequeño pueblo de 2500 habitantes en el centro de Cerdeña, después de graduarse en Ciencias Políticas deja Italia y vive en Inglaterra, Bélgica, Francia, Alemania, China, Suiza. En 2017 se traslada a Barcelona.

En su trabajo se encuentra una combinación de lenguajes, materiales, técnicas y disciplinas diferentes. En los últimos años ha trabajado intensamente sobre el cuerpo practicando yoga, danza aérea y otras metodologías corporales. Esta investigación le ha permitido una percepción sensorial más profunda con una mayor conciencia de la respiración y de la conciencia del cuerpo. Esta investigación se refleja en sus últimos trabajos, caracterizados por actividades que requieren concentración, paciencia y un largo proceso de realización. Algunas de sus obras se caracterizan por actividades que requieren un paso natural del tiempo en el que se hace énfasis en el proceso, en lugar de en el resultado final. Ivana Pinna ha expuesto en España, Alemania, Reino Unido, Grecia, Francia, Italia. En los últimos años ha llevado a cabo varios proyectos participativos, involucrando directamente al público en el proceso creativo y colaborando con otros artistas en proyectos transdisciplinarios. Es la iniciadora del proyecto IVYnode, cuyo objetivo es la promoción de la cultura, el arte, el medio ambiente y la innovación en las pequeñas comunidades territoriales, entre las que se encuentra Nurri, el país donde nació, que aún conserva un carácter de autenticidad, pero que encara el problema de la despoblación y la pérdida de identidad vinculada sobre todo a problemáticas juveniles.

Luca Pagliari (Italia, 1965) es artista plástico y especialista en fotografía. Vive y trabaja en Barcelona.

Obtiene el título de “Dottore in Economía Aziendale” por la Universidad Luigi Bocconi de Milán. Cursa estudios en arte y fotografía bajo la guía de Luigi Ghirri, Bernd & Hilla Becher y Brian Young en la Università del Progetto, Reggio Emilia; École Nationale Supérieure des Beaux Arts, Paris; Düsseldorfer Kunstakademie, Düsseldorf; International Center of Photography, Nueva York.

Su obra se ha expuesto internacionalmente en numerosas galerías y museos, pertenece a colecciones públicas y privadas y ha sido publicada en libros y revistas en varios países.

Destacan las exposiciones individuales en la Bonni Benrubi Gallery de New York, la Fifty-One Fine Art Photography de Amberes, la Galerie du Château d’Eau de Tolosa, o el Museo Internazionale di Fotografia de Brescia, así como las publicaciones con National Geographic Books, Harper’s Magazine, Pushkin Press y Ivory Press, y las adquisiciones de obra por parte del SFMoMA de San Francisco, el Musée de la Photographie de Charleroi o la Bibliothèque Nationale de France.

Paralelamente a su actividad como autor, trabaja como consultor artístico y es comisario de exposiciones; dirige proyectos educativos, imparte clases, seminarios y conferencias; escribe artículos y ensayos sobre arte y cultura, con un interés específico en la filosofía de la fotografía. Es miembro de las asociaciones “Leonardo – The International Society for the Arts, Sciences and Technology” y “Recursos de la Fotografía Artística en España”, Ministerio de Cultura.

Destacan entre sus actividades docentes la creación del Graduado Superior en Fotografía IDEP – Universitat Abat Oliva – CEU, el cargo de jefe de estudios y la labor como profesor en el mismo, así como la coordinación de proyectos y la enseñanza de la fotografía en la Universitat Politècnica de Catalunya – Centre de la Imatge i Tecnologia Multimèdia de Terrassa y el Istituto Europeo di Design de Barcelona, o la colaboración con el International Center of Photography de New York y el Centro de la Imagen de Lima.

Actualmente imparte clase de Proyecto y dirige los Masters en Fotografía Profesional de la academia Seeway Barcelona – Universidad San Jorge de Zaragoza.

Licenciado en Arquitectura por la Universidad de Florencia, David Scognamiglio (Bologna, 1980) profundiza su formación en la Escuela Nacional Superior de Arquitectura de Montpellier, la Pontificia Universidad Católica de Chile y la Universidad de Barcelona, ​​donde cursa actualmente el Máster de investigación y producción en arte contemporáneo.

Scognamiglio enfoca su investigación en los temas de la materia, entendida como un objeto narrativo, y del espacio interpretado como un lugar de emociones; en particular, el artista explora la relación entre el espectador y la obra de arte, o la impresión emocional que deja la obra a la persona que la recibe.

David Scognamiglio ha expuesto en numerosas exposiciones colectivas e individuales, incluyendo: E-E-01, Museo de la Universidad de Alicante, España (2018); Incertum, Museo de Minas, Montecatini Val di Cecina, Italia (2017); Pluvium, Instituto Italiano de Cultura, Santiago de Chile (2017); De Rivus, Galería NAC, Santiago de Chile (2016); Electric Avenue, Galería Monoambiente, Buenos Aires, Argentina (2015); L’origine, Nuit Blanche, París, Francia (2014).

Vive y trabaja en Barcelona.

Marco Noris (Bérgamo, Italia, 1971) vive y trabaja en Barcelona. Después de dejar Bérgamo a finales de los 90, vivió en Ferrara y Bolonia y luego se instaló en Barcelona en 2003. Dibujante y pintor en esencia, Noris ha experimentado con el videoarte, el net-art y la fotografía antes de restablecer y enfocar su práctica artística en el campo de la pintura. Desde 2015 experimenta la pintura como medio para desarrollar experiencias performativas como una extensión de su trabajo de estudio. Más recientemente se ha acercado al andar como práctica estética y artística con el proyecto En Frontera (2017, premio Barcelona Producció) y la más reciente La entrega (2018, premio Art i Natura).

En España ha exhibido en Barcelona (La Capella, Galería Trama, Cyan Gallery, Galería Esther Montoriol, Galería Contrast, Galería H2O, The Private Space, Casa Elizalde, Can Felipa, Espai M de La Escocesa, Galería Sicart, etc.), en Madrid (Matadero), en Castellón (Galería Canem), en Vic (Templo Romano de Vic, 5ª Bienal) y en el MuME, Museu Memorial de l’Exili. En el extranjero destaca su participación en exposiciones y festivales en Estados Unidos (New York, The Active Space, 2014), Italia (Different Pulses, 2013 y ParmaPoesia, 2002) y en Francia (París, Centre Pompidou, 2002).

En los últimos veinte años, paralelamente a su actividad artística, ha creado y colaborado en diferentes proyectos colectivos, empezando a finales de los años noventa, en Bolonia, con proyectos colaborativos en ámbito digital. Entre el 2005 y el 2016 se dedicó a la organización de los diferentes artistas del centro de arte de La Escocesa alrededor del proyecto “Ciudad de las artes” para una nueva fábrica de creación en Barcelona. En el mayo 2018 cofunda Fase, centro de creación y pensamiento en L’Hospitalet de Llobregat. Entre 2015 y 2017 fue artista residente en Hangar, centro de producción de artes visuales, Barcelona. Actualmente es artista residente en Piramidón, centro de arte contemporáneo en Barcelona.

Ciro Frank Schiappa nace en Dublín en 1976. Se ha formado en estudios fotográficos en la Fundación Studio Marangoni en Florencia, Italia.

Sus fotos se exhiben en numerosas exposiciones individuales y colectivas, incluida la octava edición de la Bienal de Jóvenes Artistas de Europa y el Mediterráneo (BJCEM) en Turín, el festival internacional de fotografía Arles Rencontres Internationales de la Photographie, el Instituto de Arte de Chicago y la Galería Cívica de Módena.

Su práctica se desarrolla en torno a los temas del retrato y la arquitectura, comenzando con la serie Circunstancias familiares para llegar a Leicamix y Maremmana, esta última una exploración de la relación entre el contexto y la naturaleza humana que lo habita.

En 2016 publicó New York Serenade, un libro sobre la historia del rock en Nueva York. Tiene veinte años de experiencia como fotógrafo de campañas publicitarias y editoriales.

Vive entre Milán y Barcelona.

Giuliana Racco (Toronto, Canadá, 1976) vive en Europa desde 2002.

Se graduó en Artes Visuales en la Universidad Iuav de Venecia y luego empezó a trabajar como Profesora Asistente, colaborando con Lewis Baltz en cursos de artes visuales en la misma Universidad.

A nivel internacional, coordina el pabellón de la República Checa y Eslovaca para la Bienal de Venecia (2008-2011) y, en 2017, participa en la dirección creativa del programa Encuentros para Juntos Aparte, un proyecto comisariado por Alex y Luis Miguel Brahim para BIENALSUR.

También es responsable de las traducciones de MONOS Editions y ha traducido, además de ocuparse de la investigación, Migropolis: An Atlas of a Global Situation (Hatje Cantz, 2009).

Actualmente es miembro de la comisión de los programas de Hangar.Org, Centro de Investigación y Producción Artística, con sede en Barcelona. Inspirándose en la experiencia de campo, la investigación de archivos y la narración colectiva, Racco cuestiona constantemente los filtros a través de los cuales se perciben ciertos conceptos básicos de la cultura occidental.

Entre sus intereses: los procesos lingüísticos, el deseo y el movimiento. Une la esfera del intelecto y la emoción, así como la de la poética y la política, inherentes en particular a los trabajadores, migrantes y refugiados.

Dibujo, impresión, medios digitales, instalación e intervención pública son todos elementos de la síntesis formal de su trabajo.